Eu si Wajdi Mouawad / Moi et Wajdi Mouawad : a love and hate relationship

Wajdi Mouawad e un tip super tare (în coaie). E un baiat beton. E un adevarat, un greucean. Scrie, joaca, pune în scena. What else ? vorba lu’ George Clooney.

Primul meu contact cu Wajdi Mouawad (ca scriitor deocamdata) a fost acum 2 ani, la Théâtre des Abbesses, la Montmartre, cu Le Soleil ni la mort ne peuvent se regarder en face (Soarele nici moartea nu se pot privi în fata), în regia lui Dominique Pitoiset. O piesa cumva istorica, cumva de formare, un gen de bildungsroman intergenerational mitologic starring Oedip, Antigona and friends. O acumulare de razboaie, invazii, patricipde, fratricide si infanticide. Un exil perpetuu, în miscare, trait violent. O punere în scena complet apurata, dedicata total textului si imaginii. O piesa grea, dar care prinde !

A urmat apoi, la începutul anului asta, Journée de noces chez les Cromagnons (Nunta la familia Cromagnon), alta piesa scrisa de Wajdi Mouawad, în regia lui Mylène Bonnet la Théâtre de la Tempête de la Cartoucherie de Vincennes. Un portret al unei familii libaneze (?) sau izraeliene (?), care pregateste o nunta improbabila în mijlocul unui câmp de lupta. Un contur convingator, veridic si complex al noilor arhetipuri ale membrilor acestei familii care traieste cu (si se adapteaza la) teroarea omniprezenta : mama grijulie si isterica, tatal enervat si violent, fiul plecat la razboi gen Arnold Schwarzenegger în mizerie, fiul ramas acasa în fustele mamei, tânara vecina deja fata batrâna ... Niste oameni care se iubesc, traiesc si urla cu foc, într-o încercare disperata de a se face auziti, peste zgomotul bombelor care cad incontinuu. Tot ceea ce tine de realitatea asta cruda (si evitarea ei) e bine descris de text si regie ; burlescul accentueaza disperarea ; râsul fals îmbraca frica de moarte. Din pacate, piesa are SIMBOLURI : fata somnolenta care se pregateste de maritis (libertatea ? independenta ? speranta ? narcolepsia ca singura cale de scapare dintr-un cotidian odios ?) si baiatul care o ia de nevasta (salvarea ? împacarea ? toleranta ?), penibili atât la nivel conceptual (textul) cât si artistic (actorii & regia). A titre d’exemple, junele prim apare la sfârsitul piesei cu o cala alba în mâna (vezi simbolistica profunda de fat-frumos pe cal alb înaripat), debiteaza niste platitudini cu o voce complet falsa si totul se sfârseste cu bine, într-un mare happy-end american. De mare si profund cacat !!!

Anu’ asta fu si prima mea întânire cu Wajdi Mouawad ca regizor (în sfârsit !), pentru Littoral (Litoral), la Théâtre 71 Malakoff. Din nou un bildungsroman, din nou o cautare de / revenire la origini, din nou povesti triste, destine frânte de razboi, de actualitatea sau de amintirea lui. Wilfrid (Emmanuel Schwartz – un actorash canadian delicios si foaaaarte talentat) cauta un mormânt pentru corpul tatalui sau mort, idealmente în orasul sau natal. În aceasta cautare, e însotit de amintirile tatalui sau (care au intrat între timp în constiinta universala) si de un cavaler donquichotic (inocenta, curiozitatea, liberul arbitru ...). Pâna pe la jumatatea piesei, ritmul e alert, scena e mereu animata, Emmanuel Scwartz si Jean Alibert (cavalerul) alearga, urla, îsi dau drumu’. Wilfried se îmbaiaza într-o valiza (remember Romeo si Julieta al lui Beatrice Bleont cu scena balconului în cada si muzica de Dead Can Dance ?). Cavalerul se lupta cu morile de vânt. Tatal & Mama îsi retraiesc povestea de dragoste. Familia îsi arata adevarata fata (de cacat ; not supportive, not cool). Pe scena e viatza, nene !

Dupa care, se strica treaba. Pe la jumatatea piesei, textul devine platonic, conceptual si sec : vezi defilând idei pure, idei bune, dar deja auzite, deja traite în patrimoniul cultural Wajdi Mouawad (exilul, razboiul, identitatea …). Te plictisesti. Ai vrea sa pleci. Rezisti. Si la sfârsit, bomboana de pe coliva : tatal e finalmente îngropat, dar nu înainte de a fi despuiat, redus la o nuditate disgratioasa si, mai ales, paroasa, cu o p*utza flescaita si neepilata, deranjant de vizibila, care ocupa toata scena, un dezgust total de viata si de teatru. Si te întrebi : de ce, Wajdi Mouawad, de ce ?!

Finally, vazui Ciels (Ceruri) la Odéon, de Wajdi Mouawad, unde iarba fu tare, nene !

Povestea : Într-un gen de laborator secret, o echipa super calificata de traducatori, informaticieni, criptologi, încerca sa decodeze niste mesaje ca sa împiedice un atentat terorist (remember Paranoïa de Rafael Spregelburd ?). Cele sase personaje (în cautarea unui autor ?) descifreaza, evident, prea târziu, misterul : reteaua terorista pregateste atentate în cele mai mari muzee de arta din lume. Sânge pentru sânge. Anarhie. Razbunarea generala pe societate. Distrugerea frumosului (arta) ca simbol al distrugerii lumii (viata). Si ca nume de cod, Buna Vestire lui Tintoretto : Sfântul Duh coborând asupra Mariei înspaimântata ; un viol, primul dintr-o serie nesfârsita.

Regia : scena Odeonului e complet desfiintata. Publicul e introdus într-un cub complet închis în mijlocul caruia îl asteapta niste scaune rotative. Cei patru pereti ai cubului ascund sapte scene (una principala – laboratorul si sase jumatati de scena pe celelalte trei fete – camerele celor sase personaje) ; de unde si latura participativa a piesei : spectatorul e obligat sa se roteasca pe scaunul sau pentru a putea urmari actiunea. Ideea scenei-cub e genitala si face toti banii. Decorurile sunt belea, noile tehnologii (situate în centrul povestii) sunt inteligent exploatate (videoconferintele tata / fiu sunt extrem de convingatoare si reprezentative pentru aceasta comunicare la distanta deficienta, sarman surogat al comunicarii directe), spatiul scenic e rentabilizat la maximum si spectatorul e tinut în suspans pâna la final. Un singur bemol : în toata acesta grandoare si genialitate, actorii sunt putin lasati de capul lor, excesele fiind tolerate de un regizor mai axat pe the big picture decât pe lucrul cu omul si atingerea acelui dozaj perfect de emotie si tehnica. Câteodata, ai impresia ca însiruirea reactiilor personajelor ar fi credibila numai într-un spital de nebuni. Sfârsitul mai ales e penibil : isteria tatalui în fata mortii fiului / urelete Madonei moderene care naste în timpul atentatelor (o viata se stinge ; o viata se naste) sunt atât de asteptate si de surjucate încât devin rizibile.

You can’t have everything, right ?!

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Wajdi Mouawad est un mec super fort, un vrai. Il écrit, joue, met en scène. What else ? dixit George Clooney.

Mon premier contact avec Wajdi Mouawad (en tant qu’écrivain pour l’instant) fut il y a 2 ans au Théâtre des Abbesses, à Montmartre, avec Le Soleil ni la mort ne peuvent se regarder en face, mis en scène par Dominique Pitoiset. Une pièce en quelque sorte historique, en quelque sorte du devenir, un bildungsroman intergénérationnel et mythologique starring Oedip, Antigona and friends. Une accumulation de guerres, d’invasions, de parricides, de fratricides et d’infanticides. Un exil perpétuel, en mouvement, vécu violemment. Une mise en scène complètement apurée, totalement dédiée au texte et à l’image. Une pièce difficile, mais qui accroche !

Ensuite, au début de cette année, je vis Journée de noces chez les Cromagnons, une autre pièce écrite par Wajdi Mouawad, mise en scène par Mylène Bonnet au Théâtre de la Tempête de la Cartoucherie de Vincennes. Un portrait d’une famille libanaise (?) ou israélienne (?), qui prépare un mariage improbable au milieu d’un champ de combat. Un contour convaincant, véridique et complexe des nouveaux archétypes des membres de cette famille qui vit avec (et qui s’adapte à) la terreur omniprésente : la mère soucieuse et hystérique, le père énervé et violent, le fils parti à la guerre genre Arnold Schwarzenegger en misère, le fils resté à la maison dans les jupons de sa mère, la jeune voisine déjà vieille fille … Des gens qui s’aiment, vivent et hurlent violemment, dans un essai désespéré de se faire entendre, par-dessus du bruit des bombes qui tombent sans cesse. Tout ce qui tient à cette réalité cruelle (et aux essais de l’éviter) est bien décrit par le texte et par la mise en scène ; le burlesque accentue le désespoir ; le faux rire habille la peur de la mort. Mais malheureusement, la pièce est parsemée de SYMBOLES : la fille somnolente qui se prépare pour le mariage (la liberté ? l’indépendance ? l’espoir ? la narcolepsie comme seul moyen de s’échapper d’un quotidien odieux ?) et le garçon qui vient l’épouser (le salut ? le réconciliation ? la tolérance ?), pénibles aussi bien au niveau conceptuel (du texte) qu’artistique (des acteurs & de la mise en scène). A titre d’exemple, le jeune premier apparaît à la fin de la pièce une calla blanche à la main (voir le symbolisme profond du Prince Charmant sur son cheval blanc), débite quelques platitudes d’une voix complètement fausse et tout finit bien, dans un grand happy end américain. De la grosse et profonde merde !!!

Cette année, j’eus également ma première rencontre avec Wajdi Mouawad en tant que metteur en scène (finalement !), pour Littoral, au Théâtre 71 Malakoff. A nouveau un bildungsroman, à nouveau une quête des / un retour aux origines, à nouveau des histoires tristes, des destins brisés par la guerre, par son actualité ou son souvenir. Wilfrid (Emmanuel Schwartz – un jeune acteur canadien délicieux et plein de talent) cherche une tombe pour le corps de son père décédé, idéalement dans sa ville natale. Dans cette quête, il est accompagné par les souvenirs de son père (qui rentrèrent entre temps dans la conscience universelle) et par un chevalier donquichottique (l’innocence, la curiosité, le libre arbitre ...). Jusqu’à la moitié de la pièce, le rythme est alerte, la scène est toujours animée, Emmanuel Scwartz et Jean Alibert (le chevalier) courent, hurlent, se laissent aller. Wilfried prend un bain dans une valise (je me souviens d’un Roméo et Juliette roumain, d’une certaine Béatrice Bléont, avec la scène du balcon dans une baignoire et la musique de Dead Can Dance). Le chevalier lutte avec les moulins de vent. Le Père & La Mère revivent leur histoire d’amour. La famille montre son vrai visage (de merde ; not supportive, not cool). Sur scène, de la vie, de la vraie !

Après quoi, les choses se gâtent. Vers la moitié de la pièce, le texte devient platonique, conceptuel et sec : on voit défiler des idées pures, de bonnes idées, mais déjà dites, déjà vécues dans le patrimoine culturel Wajdi Mouawad (l’exile, la guerre, l’identité …). On s’ennuie. On voudrait se casser. On résiste. Et à la fin, la cerise sur le gâteau (d’enterrement) : le père est finalement enterré, mais pas avant d’avoir été déshabillé, réduit à une nudité disgracieuse, et surtout, pileuse, avec une b*itte flasque et non épilée, dérangeant de visible, qui prend toute la scène, un dégoût total de la vie et du théâtre. Et on se demande : pourquoi, Wajdi Mouawad, pourquoi ?!

Finally, je vis Ciels à l’Odéon, par Wajdi Mouawad, où l’herbe fut vraiment forte, mec !

L’histoire : Dans une sorte de labo secret, une équipe super qualifiée de traducteurs, informaticiens, cryptologues, essayent de décoder des messages pour empêcher un attentant terroriste (remember Paranoïa de Rafael Spregelburd ?). Les six personnages (à la recherche d’un auteur ?) déchiffrent, évidemment, trop tard, le mystère : le réseau terroriste prépare des attentats dans les plus grands musées du monde. Du sang contre le sang. De l’anarchie. Une vengeance générale contre la société. La destruction de la beauté (l’art) comme symbole de la destruction du monde (la vie). Et, comme langage code, l’Annonciation de Tintoretto : le Saint Esprit en descendant sur une Marie effrayée ; un viol, le premier d’une série illimitée.

La mise en scène : la scène de l’Odéon est complètement dissoute. Le public est introduit dans un cube complètement fermé au milieu duquel des chaises rotatives l’attendent. Les quatre murs du cube cachent sept scènes (une scène principale – le labo et six moitié scènes sur les autres trois faces – les chambres des six personnages) ; d’où le coté participatif de la pièce : le spectateur est obligé à tourner sur sa chaise pour suivre l’action. L’idée de la scène – cube est géniale & génitale !. Les décors sont parfaits, les nouvelles technologies (situées au centre de l’histoire) sont intelligemment exploitées (les vidéoconférences père / fils sont extrêmement convaincantes et représentatives de cette communication à distance déficiente, pauvre substitut de la communication directe), l’espace scénique est rentabilisé au maximum et le spectateur est tenu en suspens jusqu’à la fin. Un seul bémol : dans toute cette grandeur et cette génialité, les acteurs sont un peu délaissés, les excès étant tolérées par un metteur un scène plus concentré sur the big picture que sur le travail avec l’individu et la recherche du dosage parfait d’émotion et de technique. Parfois, on a l’impression que l’enchaînement des réactions des personnages serait crédible uniquement dans un hôpital de fous. La fin surtout est pénible : l’hystérie du père devant la mort de son fils / les hurlements de la Madone moderne qui accouche pendant les attentats (une vie s’éteint ; une vie est née) sont tellement prévisibles et sur joués qu’ils deviennent risibles.

You can’t have everything, right ?!